Galerías

LO MICRO… UN UNIVERSO DE ASOMBRO

Fotografía de Flavio de Luna

Galería Urbana UAA, Av. Universidad, casi esquina con Av. Guadalupe González
En exhibición: diciembre 2016 - febrero 2017

En esta exposición integrada por 19 fotografías, Flavio de Luna pone de manifiesto su pasión por captar la naturaleza a través su lente, a la vez que nos permite contemplar y apreciar detalles de flores silvestres y animales de pequeñas dimensiones como hormigas, abejas, catarinas, chapulines, escarabajos y otros que, por su mismo tamaño, por lo general, pasan desapercibidos ante nuestros ojos, perdiéndonos de aspectos como la belleza de los colores y las texturas de estos diminutos seres.

Flavio de Luna Arce. Nace en la Ciudad de México en junio de 1961. Realiza estudios superiores de Arquitectura en Monterrey, Nuevo León. Hijo de padres fotógrafos, incursiona en esta área al estudiar una especialidad en fotografía publicitaria, generando después proyectos relacionados, principalmente, a la fotografía de movimiento de tierras, plantas industriales, minados subterráneos, así como fotografía aérea en avance de obras y fotografía arquitectónica. Su hobby es el ciclismo de montaña, el cual conecta con otro de sus apasionantes pasatiempos: la fotografía de naturaleza.



“El poder contemplar las inmensas maravillas de un complejo universo, que se manifiesta en cada paso y a cada momento, como el instante en que nuestra sensibilidad puede distraerse de las urgencias que nos impone el diario devenir, y darnos cuenta del potencial que encierra la creación plagada de una gran diversidad de formas que se multiplican como fractales de la vida cósmica y como un reflejo de un mundo espiritual que conforma la Matrix que rige el código genético de todo lo que existe y que sólo pudo ser concebido en la imaginación de una mente divina.
Sólo basta desenfocarse de una realidad impuesta y dirigir el foco de nuestra atención mas allá de la complejidad, para poder atrapar la sencillez de la divina proporción que se repite en cada principio y vincula el mundo de las formas como un plan oculto que nos muestra la finalidad evolutiva para que el milagro de los mundos se realice.
La vida orgánica, desde una célula, así como la humanidad misma, existen sobre la Tierra para los fines propios de la Tierra, y en la unidad con el todo en el que conformamos la naturaleza misma, jamás podemos escapar a esta, ya que aún en nuestra lucha contra ella, actuamos de conformidad con los fines de la misma.
Somos los seres humanos la síntesis del universo todo, por ello, el universo vive y se transforma sin cesar con un solo fin; “Evolución, Conciencia de Sí”, sólo un pensamiento teórico y alejado de los hechos podría concebir la posibilidad de la evolución del hombre independientemente de la naturaleza circundante, o considerar la evolución del hombre como una gradual conquista de la naturaleza. Esto es completamente imposible. Ya sea que viva, muera, evolucione o degenere, igualmente el hombre sirve a los fines de la naturaleza, o más bien, la naturaleza se sirve igualmente —aunque quizá por motivos diferentes— de los resultados tanto de la evolución como de la degeneración. Por tanto, la observación del diminuto y complejo universo de la vida orgánica, nos da la pauta del entendimiento de la red que conforma el misterio mismo de toda la creación.”
Humberto Núñez Sifuentes

FRANCISCO AGUAYO MORA. Arquitecto polímata

Por J. Jesús López García

Ilustraciones de Ernesto Martínez Quezada

Reproducción fotográfica de Eduardo León López

Galería Urbana UAA, Av. Aguascalientes Nte. (2do. Anillo) casi esquina con Av. Universidad
En exhibición: octubre 2016 - febrero 2017

EL PROTAGONISTA:

“Y a partir de allí yo dije: ESTUDIO ARQUITECTURA, CUÉSTEME LO QUE ME CUESTE”. Francisco Aguayo Mora

Las palabras citadas dan perfecta cuenta de lo realizado por Francisco Aguayo Mora, quien se graduó como arquitecto, sin embargo, ésta fue una de las múltiples disciplinas que cultivó durante su fructífera y apasionante vida, entre las que se encuentran la astronomía, historia del arte, cálculo estructural, e inclusive actividades diversas como talla en madera y en piedra, en fin, un hombre polímata.

Poco a poco fue ganando terreno y nombre en el difícil ámbito de la arquitectura y de la edificación, al grado que para los cincuenta era un respetado Director de Obras Públicas. Aguayo Mora se posicionó en el ámbito profesional, no solamente en la ciudad de Aguascalientes, sino regional, nacional e inclusive internacionalmente, con propuestas con un espíritu vanguardista acorde a los tiempos vividos, manejando una plástica y espacios modernos e integrando materiales y técnicas constructivas de la región como los casos del Edificio de comercio «La Primavera» en 1950, «Casa en la Avenida Madero #258» en 1951, «Seminario Diocesano» en 1953, Edificio «Óptica Matute» y «Templo del Señor de los Rayos» ambos en 1955, «Capilla en la Congregación El Milagro» en 1956, «Capilla y casa del sacerdote» en Juachi, Jal., en 1959, «Parroquia Santa Elena de la Cruz» en Río Grande, Zac., en 1965.

A pesar de que muere en febrero 3 de 1995, su brillo y resplandor aún se encuentran presentes en cada una de sus obras y en las personas que lo conocieron. A ciento cuatro años de su natalicio, en 1912, su memoria permanece incólume.

CONCEPTO:

La exposición consta de 19 obras del Arq. Aguayo, entre proyectos edificados o no, en donde el concepto principal está inspirado en la estética de "Sin City": blanco sobre fondo negro con detalles contrastantes en rojo, verde y amarillo, captando cada proyecto con un solo «golpe de vista». "Sin City" es un comic creado por Frank Miller, el cual revolucionó el mundo del cómic comercial de los Estados Unidos de América, y cuya primera aparición data de 1991.

AUTORES

J. Jesús López García. Doctor en Arquitectura. Es profesor-investigador desde hace 30 años. Ha ofrecido ponencias en México, Colombia, Italia, Cuba, República Dominicana, Brasil, Portugal, España y Argentina. Cuenta con la publicación de 11 libros y más de 41 artículos. Líder del Cuerpo Académico: Estudios Arquitectónico-Urbanos, UAA. Columnista del periódico El Heraldo de Aguascalientes desde 2013 hasta la fecha, participando semanalmente con la columna Sobre…Arquitectura. Miembro del Sistema Nacional de Investigadores (SNI) Nivel 1.

Ernesto Martínez Quezada. Nacido en Aguascalientes en 1971. Es egresado por la UAA de la licenciatura en Arquitectura y del posgrado en Diseño Urbano. Se ha desempeñado en la práctica de la Arquitectura y el Diseño Urbano de forma particular, en asociación con otros equipos y en la administración pública. Es profesor-investigador de la UAA desde 1997.

ASÍ ES MÉXICO

Fotografía de Gerardo Ochoa

Galería Fotográfica Exterior
Andador poniente del Jardín de las Generaciones y túnel peatonal UAA
En exhibición: octubre 2016 - febrero 2017
Por vacaciones, cerrará del 17 diciembre 2016 al 2 enero 2017


La exposición fotográfica "Así es México" intenta despertar el interés y la sensibilidad del espectador hacia diversos lugares y personas que forman parte fundamental de nuestra identidad cultural. Está integrada por 23 imágenes que fueron captadas por la lente de Gerardo Ochoa en diversas regiones de la vasta y hermosa geografía nacional.


Gerardo Ochoa, cuyo nombre completo es Héctor Gerardo Ochoa Díaz, es artista independiente y promotor cultural. Fue profesor de idiomas en la Universidad Autónoma de Aguascalientes y traductor durante más de treinta años. Paralelamente a su profesión, siempre tuvo gran afición por el arte: desde su juventud se inclinó por la música, aprendiendo a tocar guitarra, órgano y piano; asimismo se interesó en la literatura y comenzó a experimentar en el campo de la fotografía, todo esto de manera autodidacta. Con el tiempo fue realizando estudios en estas disciplinas, lo que le ha permitido conocerlas más a fondo y mejorar sus técnicas y su producción.
Actualmente se encuentra retirado de la docencia y desarrolla diversas actividades en el ámbito del arte y la promoción cultural. Como fotógrafo, se especializa en paisajes e imágenes étnicas mexicanas, buscando capturar la esencia de nuestra cultura y su gente; a la vez, continúa vinculado a la música a través del piano, el saxofón y la composición. También es comentarista radiofónico sobre literatura, miembro numerario del Grupo Literario Andares, fundador y coordinador de las salas de lectura English Readers y Lectores del Lago, Presidente de la Asociación de Aficionados al Jazz de Aguascalientes, “Aguas Jazz A. C.” y Secretario del Consejo Directivo de la Fundación Amigos de la Historia de Aguascalientes.

DECONSTRUCCIONES

Paralelismos entre el LUTO de Jonathan Fuentes Elías y SIN MADRE de Carlos Luévano Alonso

Técnica mixta e instalación

Galería Universitaria (Edificio 1-B primer piso, C.U.)
En exhibición: octubre 2016 - enero 2017
Lunes a viernes de 10:00 a 18:00 horas
ENTRADA LIBRE


Por vacaciones, cerrará del 17 diciembre 2016 al 2 enero 2017


La exposición se conforma de 19 piezas, 10 piezas en técnicas mixtas de Carlos Luévano Alonso y 9 instalaciones de Jonathan Fuentes Elías.

Luto de Jonathan, nos remite al mal uso que como individuos y como nación hacemos en términos sociales, políticos y naturales; al abuso en el consumo de bienes perecederos y banales; a la destrucción de la trama social. La degradación y la corrupción de los entes en su contexto y su vida, hacen un motif para este artista que de una manera muy ingeniosa nos acerca a sus reflexiones.

Sin Madre, de Carlos, es una plegaria para rescatar al planeta, nuestra casa. El exceso y abuso de poder del ser humano que se empodera de cualquier hábitat, sin importarle a quien perteneció inicialmente, o con quien debe compartir. La vida es manipulable, despreciable, solamente es la imposición del ser supremo en la faz de la tierra.

Jonathan Fuentes Elías. Aguascalientes, 1984. Formado en diferentes talleres de arte del país; entre ellos destacan talleres en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) y el Instituto Cultural de Aguascalientes en diferentes disciplinas de las artes visuales, así como asistente en prestigiosos talleres privados con Ariel Orozco (Cuba) y Felipe Ehrenberg (Ciudad de México). Cuenta con tres exposiciones individuales y más de treinta colectivas en México, Cuba y Colombia. Sus piezas han sido merecedoras de premios y reconocimientos dentro del país. Su obra transita libremente entre pintura, escultura, gráfica, video e instalación. Forma parte de la nueva generación de artistas autogestores. Es fundador de la galería de arte contemporáneo Rüido Proyectos en Aguascalientes, ciudad donde radica y produce actualmente.

Carlos Esteban Luévano Alonso. Aguascalientes, 1982. Es Arquitecto egresado de la Universidad Autónoma de Aguascalientes. Actualmente es residente del taller de grabado en la Fundación Andrés Vázquez Gloria (Aguascalientes), forma parte de la Galería de Arte Contemporáneo Emilia Cohen (Ciudad de México), miembro del grupo Sexto Continente y Colectivo de Artistas Plásticos de la revista inglesa Art View, y Director General del Instituto Mexicano de Arquitectura, empresa de arquitectura sustentable en el centro del país. A lo largo de su trayectoria artística, ha participado en más de 13 exposiciones tanto individuales como colectivas en México, Estados Unidos y Argentina. Se ha hecho acreedor de importantes distinciones: primer premio del concurso de escultura Torre del Bicentenario (2010), mención honorífica del Concurso de Paz y Arte (2010) y del concurso Plástica sobre Rieles (2011), y recientemente ganador de la Séptima Bienal de Dibujo y Pintura “Enrique Guzmán” (2016).

QUADRIVIUM

Exposición colectiva

Galería Exterior del Museo Nacional de la Muerte (Rivero y Gutiérrez Esq. Morelos, Zona Centro)
En exhibición: octubre 2016 - febrero 2017
Martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Miércoles entrada libre


La exposición consta de 22 trabajos, de los cuales 17 son dibujos en tinta en formato pequeño, monocromáticos; los restantes son fotografías a color intervenidas con manipulación de imagen.
Desde que el hombre ha usado la razón, ha hecho de la muerte un tema recurrente, las vanitas son claro ejemplo de ello; esta propuesta de cuatro artistas visuales emula aquellas con un enfoque muy personal, con soluciones técnicas diferentes y contenidos diversos.
Los cuatro artistas manejan temas que abordan el mundo oscuro, demoníaco y temido por la mayoría. Imágenes cruentas que rebasan en ocasiones la imaginación. Encierran su arte en el espectro de la asociación de las artes medievales mejor conocido como Quadrivium.

Jnthn Sahsahhu. Nació en 1984 en la Ciudad de México. Es egresado de la carrera de Artes Visuales. Su trabajo en blanco y negro desarrolla algo que él denomina "La Anatomía de la Muerte", esto es la disección del ser material en un ente espiritual, la decadencia del cuerpo y la deconstrucción e insignificancia del hombre. Obsesionado con la alquimia de la muerte, la lectura esotérica y exotérica de sigils, así como el deterioro del espíritu. Actualmente se encuentra trabajando en un libro que contendrá en su mayoría trabajos inéditos. Ha colaborado también con bandas del ámbito underground como Ysengrin, Obscure Burial y Vassafor.

Vatra i Sumpor. Nacido el 22 de agosto de 1991 en la ciudad de Zadar, Croacia, Marko Marov es un artista auto-didacta, ilustrador freelancer y diseñador, actualmente trabajando en el ámbito de la gráfica en blanco y negro underground. Utiliza las herramientas más sencillas para lograr diseños intrincados a través del puntillismo y líneas primitivas bajo el pseudónimo de Vatra i Sumpor (Fuego y Azufre). Encontrando inspiración en el mundo de los manuscritos medievales y en su rica ornamentación, sellos y firmas demoniacas, y en las artes siniestras de aquellos que están interesados con las evocaciones de demonios y pactos con el Infierno, Vatra i Sumpor adapta estos elementos en misteriosos grimorios para bandas tales como Bestial Raids, Doombringer, Sortilegia, Urfaust, Ysengrin...

Cristina Francov. Es una artista y diseñadora nacida el 4 de marzo de 1989 en la ciudad de Aguascalientes, México. Profundamente inspirada por sus experiencias oníricas, comienza sus exploraciones visuales a la edad de 15 años. Posteriormente, en 2007, ingresa a la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma de Aguascalientes. No obstante, teniendo la actividad artística como una fascinante prioridad, ha estado trabajando formalmente en este rubro desde el año 2008 de manera independiente, creando retratos y paisajes fuertemente influenciados por la música, la mitología, leyendas locales, la Historia, los sueños, la vastedad de la vida y aquello que yace más allá de ésta. Sus imágenes son un compendio de portales o espejos reflexivos, que encierran símbolos y experiencias personales, contadas y representadas por personajes con la autonomía suficiente para narrar una historia por ellos mismos. Su técnica más recurrente es mixta: óleo, acrílico, ilustración digital y fotografía combinados, aunque ocasionalmente también trabaja sólo con técnicas tradicionales.

Antithesis. “Antithesis es el seudónimo bajo el cual se ubica un artista mexicano con ambiciones clásicas, con líneas como brasas que manifiestan la espantosa figura de la Muerte y el Demonio. El autor ha explorado campos como la pintura en acrílico, el grabado en cobre, en madera, linóleo, así como la caligrafía tradicional, el puntillismo, las construcciones en nuevos formatos como el 3D y el fotomontaje, que se complementan con sus conocimientos de Bibliotecología, carrera que cursó en la Universidad Nacional Autónoma de México. […] La obra de Antithesis es una que explora los aspectos de lo demoniaco y lo humano en sus extremos. Abordar su obra es abordar la locura, lo onírico, el trance religioso y el éxtasis artístico: una mirada a lo incómodo de la existencia humana con miras a la trascendencia artística. Sin duda, es un león que ha logrado convertirse en niño. En otras palabras, estamos frente al arte de la transgresión y la construcción de un pensamiento."

-Extracto de Ars Diaboli de Jonathan Albarrán.

LA IMPOSIBILIDAD DEL NEGRO SOBRE LA LUZ

Grabado de Carlos Castañeda

Sala Polivalente del Museo Nacional de la Muerte (Rivero y Gutiérrez Esq. Morelos, Zona Centro)
En exhibición: noviembre 2016 - febrero 2017
Martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas
Miércoles entrada libre


Carlos Castañeda nació en Aguascalientes en 1981. Es Licenciado en Artes Visuales por la Universidad de las Artes del Instituto Cultural de Aguascalientes. Ha complementado su formación en cursos y talleres impartidos por grandes maestros como Eri Cámara, Ismael Guardado, Luciano Spanó, Benjamín Domínguez y Luis Carlos Emerich. Ha participado en más de quince exposiciones colectivas en Italia, Cuba, Estados Unidos, España y México. Cuenta con más de diez individuales en Estados Unidos, Francia, España y México. Seleccionado en varias ediciones del Encuentro Nacional de Arte Joven, así como en la V Bienal Iberoamericana de Obra Gráfica en Cáceres, España y la V Bienal Internacional de Gráfica Acqui Terme, Italia (con mención honorífica en las dos últimas). Premiado en la 2a. y 5ª Bienal Nacional de Artes Gráficas de Shinzaburo Takeda en Oaxaca, México; en el XV Concurso Nacional de Grabado “José Guadalupe Posada”, Aguascalientes, México; y en la XIII Bienal Nacional de Dibujo y Estampa “Diego Rivera” en Guanajuato, México.

Ha trabajado en los Talleres de “Museograbado” del Museo Manuel Felguérez en Zacatecas, México; Ex Convento Jesuita, Pátzcuaro, Michoacán, México y Centro de Experimentación Gráfica “El Obraje”, Aguascalientes, México. Fue fundador del Taller de Grabado del “Museo Escárcega” en Aguascalientes, Mex., en el cual tuvo como artistas invitados a Mario Benedetti, Rafael Zepeda, Octavio Bajonero y Adolfo Mexiac, entre otros.


“Fiel a los derroteros de índoles expresiva, temática, técnica e iconográfica que se ha trazado en su trayectoria como artista visual dedicado a la gráfica, Carlos Castañeda expone en esta ocasión estampas (intervenidas por él, algunas de ellas) en las que muestra cráneos representados desde diversos puntos de mira e interactuando con elementos formales específicamente gráficos, entre los que algunos cumplen funciones de ornamento. Símbolos inequívocos de la condición mortal, los cráneos constituyen a la vez la viva evidencia de lo mucho y muy complejo que sobrevive a la muerte biológica, misma que acontece precisamente en el cerebro; esto es, resultan testimonios del reiterado triunfo de la vida sobre la muerte. El virtuosismo y la audacia de este autor en cuanto al empleo de recursos, efectos y calidades, así como su esmero en cuanto a soluciones generales y detalles destacan ampliamente, todo lo cual contribuye a que los públicos experimenten reacciones sensibles entre las que no se cuentan las de rechazo. Con el título de esta exposición suya, Castañeda hace alusión a esa permanente relación dialéctica que los artistas de la gráfica establecen entre las áreas entintadas y las superficies de los papeles que reciben las impresiones, y a que el negro total –que desde luego es posible– restringiría la riqueza de las interacciones entre negros y blancos; es decir, la abundancia de las amplias gamas de grises y sus casi infinitas opciones en cuanto a lo frío y lo cálido de esos negros y de esos blancos.”

Carlos-Blas Galindo